viernes, 13 de mayo de 2011

Diablada de Píllaro: una fiesta de rebeldía


Se dice que fue la rebeldía mestiza e india lo que originó esta fiesta. Según Algunas versiones las diabladas se remontan a la época de la colonia cuando los terratenientes por el día de los inocentes, les permitían a los indígenas divertirse dentro de las haciendas en las que trabajaban y éstos se disfrazaban de diablos para distraerse, así como para protestar por la opresión, abuso y represión de la que eran víctimas. Escogieron la imagen del diablo porque fue la que los españoles usaron para provocarles temor al evangelizarlos. Otra versión indica que los antepasados varones en su afán de defender a las mujeres de sus tierras crearon un ritual de rechazo hacia los hombres de otros lugares que querían conquistarlas, entonces se enmascaraban de diablos y peleaban para ahuyentarlos.

La fiesta es “la diablada de Píllaro”, es una fiesta que en vez de celebrar a dios, se celebra al diablo, la ciudad se convierte en un infierno terrenal con un desfile de diablos por todos lados. La vestimenta de los hombres está comprendida de zamarro, ponchos rojos con flecos de colores, la máscara de un diablo del cual sobresalen los cuernos y en la mano un látigo.

El diablo en esta fiesta no es visto desde una visión religiosa sino se lo ve como un símbolo de desprecio y liberación. Los nativos quichuas sentían desprecio e ira por su sometimiento y empezaron a disfrazarse de diablos para expresar ese repudio. La tradición siguió con los mestizos, pero a diferencia de sus antepasados la celebración la extendieron hasta el casco urbano. Ingresaban agitando violentamente juetes de cuero de cabro y asustando con sus máscaras a los espectadores.

El ritual se realizaba primero en las grandes haciendas luego, en la vida republicana  llegaron del campo a la urbe. A través del símbolo del diablo, se convierte a esta fiesta en una manera de expresar rebeldía. Durante largos años de celebración se ha vuelto una fiesta importante en Píllaro, no sólo porque expresa una manifestación de rebeldía, sino porque con esta fiesta se ha logrado recuperar la memoria y el aprecio a la identidad cultural.

"La Diablada de Píllaro" nace hace décadas en los cerros de Píllaro, por iniciativa de los nativos de San Miguelito y otras comunidades que decidieron llevar a la práctica sus historias y cuentos. El indio salta, baila y se alegra transformado en diablo. Imagina en las caretas las caras de los que pueden ser sus opresores o las que desearían tener para asustar a quienes imposibilitan su libertad.

Origen del comic: family strip, girl strip, comic books, pocket books

El comic tuvo triunfo por la aceptación  de sus géneros y la popularidad de sus personajes. De este modo, los comics norteamericanos exportaron el American Way of life a todo el mundo. Los modelos de familias inspiraron a crear las family strip, consolidando la hegemonía familiar, seduciendo y cautivando al público consumidor.

También aparecen las girl strip, primero por la contratación de dibujantes femeninas, y segundo por el crecimiento del mercado “lector femenino”.

La coyuntura política y social permitió el desarrollo y posterior consolidación de la narrativa grafica conceptual de los superhéroes, también cono alternativa a la pasividad y cotidianidad de las family strip y descendiente directo de la matización de los géneros especialmente los de aventura y ciencia-ficción. Entonces los comic empezaron a tener protagonistas agraciados, fuertes, invencibles y sagaces, asimismo imponiéndose sobre las injusticias y las frustraciones cotidianas.

Como referencia, Dick Tracy nos permita graficar la necesidad y urgencia de representar un personaje con las características del superhéroe. Además  con el cine se desarrollan géneros narrativos, policiales, gánster y de género negro. Desde entonces, los superhéroes inician una tradición que se asentaría con los comic-books.

Los syndicates influyeron en la logística y distribución de los comics, apoyados en los desarrollos de comunicación, pues un comic podía ser vendido y publicado en varios medios de comunicación suscritos. No obstante, los syndicates también permitieron la censura y autocensura, íntimamente ligados a la moral. Entonces las narraciones gráficas se vieron limitadas por la institución reguladora. Se cortaba la imaginación de los creadores y productores de los comics, al ver estandarizado los formatos para la presentación de los comic en sus distintos géneros.

Los comics books le dieron mayor libertad al comic, mayor violencia, mayor juego lúdico con los temas expuestos, alejados del “tradicionalismo conservador”. Así aparecen los pocket books como cuadernos independientes y direccionados exclusivamente hacia un público adulto y mayor de edad.

domingo, 8 de mayo de 2011

Virgen del Panecillo: interpretacion, sincretismo y proselitismo

Una obra sin permiso y con oposición
fuente: internet

El panecillo o Shungoloma es una colina ubicada en pleno centro de Quito. Su nombre en quichua significa la loma del corazón. El nombre de Panecillo fue dado por los españoles, debido al parecido de la loma con un pequeño pan. Shungoloma era una loma sagrada para los incas, e incluso una loma sagrada pre-inca. Vista desde el cielo, la loma tiene la forma de un animalito característico de Quito, me refiero al "quinde" o colibrí.

La virgen en la cima de la loma viene a ser un claro ejemplo de proselitismo. Para interpretarlo así se debe recurrir a la imposición de la escultura.

La escultura original es de Bernardo Legarda, representante de la escuela quiteña, esta escultura se la conoce como “la virgen de Legarda”. En el año de 1976 el artista español Agustín de la Herrán Matorras realizó en aluminio el monumento a la Virgen. Pero la pregunta es ¿qué significa la imposición de la virgen en una loma considerada sagrada? ¿es una muestra de sincretismo o de proselitismo? la virgen de Legarda en la cima del Panecillo puede significar varias cosas, depende de quién la vea y su bagaje cultural. Por un lado, la Virgen está señalando al centro y da la espalda al sur. Para algunos cronistas y críticos quiteños la virgen es la construcción que separa el centro (o el sur) con el norte. Mientras en la loma siempre tuvo un significado propiamente cultural y cientifico. Por ejemplo, en etapas anteriores a la conquista era una loma sagrada y en ella se instalaron canales de riegos para los sembríos.

La virgen del panecillo como sincretismo, hay que entenderla desde la transgresión cultural de los españoles a los incas. De ahí que se entiende la imposición de las imágenes y dioses occidentales como Jesús y la virgen. Después en la etapa de la colonia con la invención y el posible ingreso de mestizos en la escuela quiteña, donde sólo se dedicaban a retratar Jesús y virgenes, un ejemplo de la escuela quiteña es Bernardo Legarda, cuya escultura de la virgen María quedó inmortalizada.

Entonces, la imagen de la virgen se construyó como dominante, representante de la fidelidad y devoción a dios (desde el catolicismo), pues, se ve a la virgen como una imagen y símbolo del catolicismo.La virgen del panecillo representa el proselitismo que la religión católica ha logrado al poner esa estatua para proclamarse como la religión dominante, con más devotos en nuestra ciudad. El sincretismo porque se ponen imágenes occidentales en lomas sagradas, es decir, al igual que en el centro histórico se construían edificios encima de los antiguos templos y construcciones incas, en el panecillo se hizo lo mismo, así se entiende lo palimpsesto. La oposición de una escultura que no nos identifica pero que para los devotos es todo un símbolo sagrado es el ejemplo del proselitismo que existe en Quito.

Otro tema importante que ha servido de estudios e inspirado a crear películas es la posición de la virgen: "da la espalda al sur, mientras bendice al norte", señalando las clases sociales entre el sur y el norte.






sábado, 30 de abril de 2011

Carlos Monsalve M.

"Sueños, recuerdos y fantasías, elementos de una mitología personal de la que se nutre mi paleta. Delicioso vínculo con el entorno que permite exteriorizar algo de tanta maravilla que percibe la retina". Es así como siento mi pintura, como un vínculo con el mundo, que me deja entablar un diálogo con el exterior, para plasmar sensaciones grabadas en mi memoria como borrosos negativos de una película fotográfica de otros tiempos, reconstruidos en mis lienzos cual retazos, como fragmentos de mitos originarios.
La Leyenda de la Anaconda

(Tríptico) Óleo sobre lienzo
El tríptico se caracteriza por ser una obra de arte hecha por tres paneles, de los cuales el principal es el panel central, pero cada panel le da otro tono o matiz al cuadro.

Refleja uno de los mitos de Monsalve.  El autor le da sentido a la Anaconda, como un animal mítico y legendario, lo representa con rasgos característicos pues es el símbolo del mito. La figura humana dentro de la obra representa la unión de los hombres con el animal mítico. El bosque como fondo es muy característico en las pinturas de Monsalve. Por otro lado, expone la dualidad entre la luna y el sol en el centro a 90 grados, de manera cenital el sol y la luna, la luz y la oscuridad.

La Barca

Proporción: “Yo creo que el efecto de las partes explican el todo, pero no racional sino explicado desde las sensaciones y emociones”, dice el autor que juega con los cuadros dentro del cuadro. La figura humana está siempre presente en los cuadros de Monsalve. En este cuadro se destaca la forma en la que está construida la obra, otro tríptico, es decir tres paneles que se pueden leer por separado pero como dice el autor las partes explican el todo. La figura del mono en el árbol es representativa de un ambiente tropical, incluso la forma de las holas que mecen la barca ocupada por hombres haciendo música.


Plano Proxémico: la pintura está en plano general, lo que le da un valor descriptivo y narrativo. La  verticalidad da volumen a la barca, igual a la marea.


Claro de luna

Pragmática: la luz en la oscuridad que resalta el autor, le da una tonalidad de tercera dimensión con los dos cuadros como se puede ver la sombra de la luna. La marea suave controlada por la luna. La luna representada como la uña del jaguar en el mundo Andino. La presencia humana dentro de la pintura pone énfasis a la música que están haciendo, como un ritual a la luna.

Plano: general, por lo que tiene un valor descriptivo del ambiente y de las personas que están en la barca.


Claro de media luna



Pragmática: la luz en la oscuridad
Plano: general. Tiene un valor descriptivo del ambiente y de las personas.

El autor revela en su pintura lo que el veía en las noches. El bosque como fondo evidencia lo mítico del bosque como resguardador de fantasmas y mitos. La posición de la luna y los rayos reflejados en el mar dan la luz en medio de la oscuridad, representa una dualidad que la luna brilla y da sombra incluso en la oscuridad de la noche.
La presencia humana siempre haciendo música o arte, es el estilo de Monsalve, pintar artísticamente, desde
la fantasía y los sueños más que de la realidad.

Fabricante de fantasías

Plano:  medio. Tiene un valor expresivo. La lateralidad denota los gestos faciales del fabricante y su posible cansancio. Refleja la vida del artista como creador de fantasías.

La figura fabricada es un hombre alado con un arco y flecha. En los mitos griegos, la figura fabricada representa a Ícaro quien tenia la habilidad de volar gracias a sus alas de cera. Por lo tanto la figura representa la obra del autor, reflejado como el creador de arte.

ver más de Carlos Monsalve: http://www.carlosmonsalve.com/inicio.html

Spencer Platt

Spencer Platt es un fotógrafo americano que desde el 2000 trabaja para Getty cubriendo países como Liberia, Congo, Indonesia, Iraq, el Líbano. Ganó el premio World Press Photo con la siguiente imagen.


Spencer Platt es una muestra de vivir la información, es un fotógrafo en la zona de guerra. Lo que permitió a Platt ganar el World Press Photo es que captó el momento en el que unos jóvenes libaneses atraviesan en un auto de lujo un barrio destrozado al sur de Beirut. El contraste de las dos realidades es lo que hace de esta foto algo único e inigualable.



Mary Ellen Mark

A los nueve años, Mary Ellen Mark (Filadelfia, EE UU, 1940 comenzó a tomar fotos con una camara Brownie, el clásico modelo de cubo de Eastman Kodak que durante tantos años popularizara la fotografía de bajo costo y que introdujera el concepto de "instantánea".
Desde entonces, la carrera de la fotografía ha sido un constante ascenso en las mas diversas estaciones, desde las protestas contra la guerra de Vietnam hasta los sets de filmación de un centenar de películas célebres. También ha trabajado para revistas como Life, The New Yorker y Vanity Fair y ha recorrido el mundo inmortalizando rostros y momentos de lo que ella llama "gente en el borde": "tengo una afinidad por la gente que no ha tenido las mejores oportunidades en la sociedad. Lo que más me interesa hacer es que se reconozca su existencia".

Mary Ellen Marck también ha destacado por sus talleres, y muy en particular por el taller que ha impartido dos veces al año durante 15 años en la ciudad de Oxaca. No es de extrañar: este estado mexicano nos conquista por las pupilas, por las papilas y por la extraordinaria disposición de su gente.

Itchimbía: Intihuatana o loma sagrada

Intihuatana

Nuestros ancestros consideraban al Itchimbía, Panecillo, San Juan y la Cima de la Libertad como lomas sagradas. Cuenta la historia que en el Itchimbía existió un Yata Pajtá (para los Quitu-Caras) o Intihuatana (para los Incas), que era un centro ceremonial de íntima relación con el cosmos. Para las antiguas culturas andinas el Intihuatana era un lugar de descanso del sol, un espacio sagrado en el cual se “amarraba al sol”, para que éste siga otorgando permanentemente luz y energía.


Simbolismo del Intihuatana



Elemento sagrado que representa el todo, el origen, la unidad y el infinito.

Representa la cuatripartición del tiempo-espacio, el Tawa inti suyo. Las cuatro regiones o suyos del mundo terrenal: Vhinchay, Anty, Cunty y Qolla. 

Integración del todo y la parte, de lo finito e infinito, de lo limitado y lo no limitado, de lo estático y lo dinámico. 


Simboliza la materialización del espacio-tiempo con sus cuatro direcciones.

Simboliza la ciclicidad del tiempo: antes, ahora y después, Caina, Cunan-Caya

Ejes de los solsticios y equinoxios, llamados seques de la Pachamama (la tierra).


Significa la dualidad y la complementariedad, macho-hembra, vertical-hotizontal, arriba-abajo.

Representación de la semilla sagrada. El origen de todo lo creado como interrelación de los mundos: Cuina – Cuman – Carya).

El sol o estrella de Quitu-Cara es el símbolo sagrado que sintetiza la cosmovisión de los habitantes de Quito, la mitad del mundo.

Quemier: comic peruano


Gino Francesco Palomino ganó el II concurso de busca un super héroe peruano. Gino creó a ¿QUEMIER? un personaje "que sabe escuchar". En su comic Gino refleja problemas como el abuso doméstico, desempleo, corrupción, entre otros. Al final de su comic, la culpa no es de uno, sino que la pelotita pasa de persona en persona, hasta el punto que todas son inocentes y el culpable es el régimen.

¿Quemier? es un comic que evidencia temas de la vida cotidiana, hecho con humor, pues, como dice el refrán "es cierto que de broma se dice cualquier cosa, incluso la verdad".

Carlos Rosero

Carlos Rosero, pintor ecuatoriano, nació en el año de 1952 en Chone (Manabí). Condecorado por el Gobierno Nacional del Ecuador como Artista de Primera Clase, ganador de 3 premios internacionales entre los que se destaca la Trienal Mundial de Arte Contemporáneo Osaka Japón, Bienal Latinoamericana Casa de las Amércias Cuba, Bienal Iberoamericana de Miami y 13 premios nacionales del Ecuador. Con muestras individuales y colectivas en Francia, España, Holanda, Alemania, China, Venezuela, Perú, Ecuador, Argentina, Estambul, entre otros.

Carlos Rosero es uno de esos pintores cuyo sentido del color estremece. Ganador de la Trienal de Osaka, Japón, en 1996, no duda en plantear: “Estos dos últimos años han sido horribles.” En esta fría noche, aún más fría en el taller, me recibe en ropa de trabajo: un overol manchado con rojos, azules, amarillos y verdes acrílicos. Luce cansado, con el tiempo registrado en su rostro. Dice que es bastante variable en los horarios de trabajo. “Cuando me dejo arrebatar por una idea, puedo estar pintando días enteros, sin tomar en cuenta si es día o noche. Generalmente, trabajo con bocetos muy ligeros y juego con el photoshop. Pero la mayor parte de la obra la realizo directamente en el lienzo”. Elije la música de acuerdo con lo que esté pintando. En la mesa, detrás de unos fierros informáticos desarmados, emerge una pila de discos: Vangelis, ópera, boleros… de todo1.
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1 Carlos Rosero: somos un país de pintores. Por Cesar Ricaurte. tomado de: http://www.dinediciones.com/diners/243/desplegar.php?id=14

Henri Rousseau


"El León hambriento" de Rousseau. Pintura expuesta en el Museo Guggenheim en homenaje al artista Henri Rousseau, uno de los precursores del arte moderno.

Biografía: 

Pintor francés conocido como el Aduanero. Artista autodidacta, está considerado uno de los pintores naïfs más notables. Sus colores fuertes, diseños planos y contenidos imaginativos, fueron ensalzados e imitados por los pintores europeos modernos. Nació en Laval, hijo de un hojalatero. Abandonó la enseñanza secundaria para realizar el servicio militar, durante el que estableció contacto con algunos soldados que habían regresado de México después de la campaña francesa en apoyo del emperador Maximiliano, que reinaba en este país. Sus descripciones inspiraron la exuberancia de las intensas escenas de selva que van a constituir el contenido de muchas de las pinturas de Rousseau. Después de licenciarse, obtuvo un empleo en la oficina municipal de recaudación de arbitrios de París, de ahí su apodo, aunque nunca fue aduanero. Al jubilarse en 1885, se dedicó por entero a la pintura. Aunque careció de una formación académica, Rousseau manifestó muy pronto una gran destreza en sus composiciones y en el uso del color. Desde 1886, en que expuso su obra en el Salón de los Independientes, despertó la admiración de los pintores contemporáneos, Paul Gauguin y Georges Seurat. Después de pintar sobre todo retratos y escenas parisinas, comenzó en la década de 1890 a realizar composiciones muy originales, llenas de fantasía. Son los cuadros de su estilo más maduro que representan típicas escenas tropicales con figuras humanas en reposo o en movimiento, junto a bestias misteriosamente encantadas en una quietud activa. El sueño (1910) muestra a una figura desnuda recostada cerca de leones y otros animales feroces, en una selva de colores vivos, llena de enormes plantas. En La gitana dormida (1897), una mujer duerme plácidamente en un desierto mientras un león, con su cola en movimiento, la examina lleno de curiosidad. Estas obras, así como El león en la selva (1904-1906), se conservan en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Sol de oro de la cultura Tolita

Es un sol de oro que proviene de la cultura Tolita encontrada en las costas del litoral ecuatoriano, data del año 300 a. c. a 400 d. c.; la imagen tiene la figura de una máscara de oro puro. Consta de doce rayos representados como serpientes en zigzag y en diferentes direcciones los cuales representan los doce meses del año. Su rostro tiene una figura de conjunción animal. En total tiene 48 rayos que tienen la forma de serpiente.

Es una figura que representa una cultura, una época y un desarrollo del pueblo ecuatoriano antes de llamarse de esta manera. El conocimiento del metal y su utilización es uno de los mayores avances de la región y del mundo.

Reconocer la sabiduría de la cultura Tolita es reconocer la sabiduría de los pueblos, de nuestros antepasados y reconocer también que antes de la invasión de los alienígenas (los europeos) tuvimos una historia propia que aún nos identifica. Es estar conscientes que tener un pasado cultural tan rico es tener una potente sabiduría para relacionar hombre con naturaleza y naturaleza con hombre, esa unión que nos permite conocer los lazos de poder que existe uno por el otro.

¡Gaia muere!

Geo o madre gaia son algunos de los nombres con los cuales conocemos a la tierra, pero ella nos llama, sólo que somos necios y no escuchamos lo que tiene que decir: soy gaia la madre tierra. Por siglos mi cuerpo ha servido de hábitat a los hombres, los vi nacer, evolucionar y perecer. Los ríos, mis arterias, han dado vida. Los bosques han cobijado a mis criaturas. Pero la ambición del hombre ha hecho que mi cuerpo cambie. Un dolor en el pecho me estremece, es la desaparición de los bosques, la contaminación de los ríos y la muerte de los peces. Pronto el dolor pasa a mi vientre y me hace temblar, poco a poco voy muriendo. En mi bosque sólo queda un sauce llorón que vivió gracias a que sus ramas crecieron, al igual que la ambición de los hombres ¡yo soy gaia la madre tierra!

Mushuk Nina o "Fuego Nuevo"

La concentración comienza a la 21:00 en la plaza de la Independencia. Cuando llega Mama Rosario, es ella la encargada de dirigir la caminata con antorchas a Shungo loma o el Panecillo. La ruta hacia el panecillo es por la calle de las "siete cruces" o García Moreno.

Al llegar a la cima del Panecillo, la luna está llena y yace cenitalmente. Un Taita espera la llegada de los asistentes. Es él quien abre la puerta a lo mas alto de la cima, el lugar donde se procede al ritual del "Fuego Nuevo".

Mama Rosario dirige la ceremonia. Las guardianas del fuego, el oso (representa la fuerza y se encarga de reterner a los espiritus malos) y la loba que es la vigía, son otros protagonistas en la ceremonia.

Al rededor del fuego comienza la ceremonia. La puerta se cierra, Mama Rosario puede abrirla, dejar entrar y salir a los asistentes. Primero se convoca, de manera personal, a los espíritus para alimentar el fuego. Después, se hace las peticiones y propósitos a través de la limpia con el padre tabaquito.

Posteriormente, se continua con la ceremonia. La bebida sagrada -pisocodélica- es el San Pedrito. Después de limpiar el organismo a través del vómito, se inicia un viaje espiritual único. Quién lo ha practicado menciona que es una sensación parecida a encontrar espirritus al rededor, pero en realidad no hay nadie. Es sentir la presencia de otras personas ajenas al ritual, quienes no tiene materialidad, sólo presencia.

Octavo festival de cine "Cero Latitud"


Sin necesidad de efectos especiales y cuantiosos fondos, el cine independiente sobrevive a la amenaza de un cine plagado de hollywood. El marketing hace de las peliculas una mercancía. El cine independiente da cabida a peliculas hechas con pocos fondos y con un buen guión. El festival de cine "Cero Latitud" expone peliculas y documentales independientes de todos los idiomas, peliculas que no necesitan efectos especiales para ser magnificas, sino sólo con una buena actuación y un buen guión, estas películas logran llegar a la gente. Por eso apoyemos el cine independiente, ¡vamos al festival de cine!

Correa y sus pelucones

¡Ningún pelucón se sube a mi bus!

Cuando el presidente Correa instauró su proyecto de Asamblea, intentó crear un organismo fuerte y sin "partidocracias, ni conformado por los mismos de siempre". Su proyecto falló porque la Asamblea estuvo llena de pelucones, incluso el oficialismo plagado de pelucones -por no decir todos-. Entre ecologistas, presentadores de televisión, artistas y otros payasos, la Asamblea creó una nueva carta magna que rige el Estado Ecuatoriano, pero parece ser que el bus de la Asamblea -conducido por Correa- se destapó y los pelucones están festejando. Lo que pasa es que todos quieren entrar a la Asamblea por eso están peleando por un curul, aunque algunos ya tienen el puesto asegurado y por eso festejan.

Jungle City


La historieta que nos trae Quino es de una sola viñeta. Se la nombra como Jungle City. Un posible diálogo podría indicar lo que sucede en el gráfico que está expuesto en un plano panorámico y lejano, se da importancia a los detalles como las hojas, los arbustos, los árboles, las ramas, los monos y Tarzán parado por el semáforo.

La modernidad ha llegado a la jungla, Tarzán y los monos obedecen las leyes de transito para evitar accidentes. O se puede reflejar de lo contrario, la ciudad como una jungla. En fin, sea cual sea la idea, Quino nos expone una historieta en una sola viñeta y con un poco de imaginación se puede crear una historia a través de un solo gráfico. 

Comunicación saturada (caricatura de Asdrúbal)


La caricatura de Asdrúbal evidencia la difusión de los medios de comunicación, particularmente, la televisión. En la viñeta de Asdrúbal las televisiones toman volumen, relieve y textura, es desde una perspectiva estática un grafico en 3D. En los globos prevalece el signo de dólares o dinero y el BLA hace referencia a la cantidad de palabras que se difunden en la televisión. Si se mesclan  los dos signos el BLA y el signo de dinero se llega a la conclusión que Asdrúbal mira la televisión desde el consumismo que expresa la misma.

Los hombres y sus ovnis

En el comienzo fue el “hombre” el poblador de la tierra… El proceso de reproducción de especie da inicio


Con el venir del tiempo el ser humano decide emprender su viaje de control sobre el cielo…


Y con los satélites se revisaban otras formas posibles de viva en planetas cercanos


Con el cielo lleno de satélites tomando fotografías se encontró formas de vida extraterrestre. Los extraterrestres eran una amenaza para la humanidad. La ONU los puso en la lista negra de los que no son recibidos en la tierra y los elimino de facebook.


Los ovnis empiezan con su plan de conquista, después que la ONU les eliminaran de los amigos de facebook, inician el ataque a la tierra...


Finalmente, la tierra explota y se convierte en polvo y cenizas. Los extraterrestres felices de cumplir con su venganza de facebook.

La torturada Helena

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Ni separandose de Menelao, Helena pudo vivir en paz. Si recordamos los mitos griegos, por el secuestro de Helena por parte del principe Paris estalló la guerra de Troya. Y cuando Menelao llega a Troya en busca de su esposa secuestrada, se encuentra con la belleza de Helena. Irremediablemente, la tortura de Helena fue ser hermosa. Los mitos dicen que fue hija de Zeus, por esa razón reflejaba una belleza particular.
Helena fue encadenada a una columna griega y flechada, no justamente por cupido, sino por el amor de muchos hombres que admiraban su hermosura.
 

Daño Ambiental


La imagen muestra el “águila calva”, símbolo emblemático de los EE.UU. Lo característico de la imagen es como el derrame de crudo daña el ambiente y la libertad representada por el águila calva de los EE.UU. El águila aparece, en un plano general, empapada de crudo. En lo perceptivo se hace énfasis a las gotas de crudo que chorean de las plumas y patas del águila; por otro lado, se evidencia las lágrimas en el rostro del águila y la forma del ceño, da sensación de tristeza.

Ocio



La imagen tiene como contexto a un hombre acostado en la playa que nos puede remitir al ocio y al descanso. La imagen está en plano lejano, general y de horizonte. Es un plano lejano porque se evidencia lo natural de la imagen, un hombre con un nivel de “corporalidad” estático. De horizonte debido a que en la imagen se estima todo un paisaje y dentro de él varios objetos como un libro, bloqueador solar, parasol, toalla y una estrella del mar. La angulación del hombre está en contrapicado, se proyecta la figura del hombre desde el suelo. El hombre, desde un aspecto sensorial, evidencia en su rostro despreocupación y sensación de estar pensando.